Hollywood La industria cinematográfica estadounidense
La industria cinematográfica estadounidense
Ha tenido un profundo efecto en el cine alrededor del mundo desde inicios del siglo XX. Su historia se divide en ocasiones en cuatro períodos principales: la era muda, el cine clásico de Hollywood, el nuevo Hollywood, y el periodo contemporáneo (a partir de 1980).
Historia
Desarrollo temprano
La segunda instancia
grabada de imágenes capturando y reproduciendo movimiento fue una serie de
fotografías de Eadweard Muybridge que mostraban un caballo galopando, tomadas
en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en
fila. El logro de Muybridge motivó a inventores de todas partes para intentar
creas dispositivos similares que pudiesen capturar ese movimiento. En
EE. UU., Thomas Alva Edison fue el primero en producir
un dispositivo de esas características, el kinetoscopio, cuya abusiva patente
forzó a los primeros cineastas a buscar otras alternativas.
En EE. UU., las
primeras exhibiciones de películas para grandes audiencias se hacían usualmente
en los descansos de los shows de vodevil. Los empresarios comenzaron a viajar
para exhibir sus películas, llevando al mundo las primeras incursiones en el
género del drama. El primer gran éxito del cine estadounidense, así como el
logro experimental más largo hasta el momento, fue El gran atraco al tren, dirigida por Edwin S.
Porter. En los albores de la industria cinematográfica estadounidense, Nueva
York fue el epicentro de los cineastas. El estudio de grabación de
Kaufman-Astoria en Queens, construido durante la etapa muda del cine, fue usado
por loshermanos Marx y W. C.
Fields.
Chelsea (Manhattan) también era utilizado con frecuencia. Mary Pickford, una
actriz ganadora del premio de la Academia, rodó algunas de sus primeras
películas en esta zona. Sin embargo, el mejor clima de Hollywood durante todo
el año lo convirtió en una mejor opción para rodar.
Hollywood
A principios de 1910, el
director D.W.
Griffith fue enviado por el Biograph Company para la
costa oeste con su compañía. Empezaron a filmar en un terreno baldío cerca de
Georgia Street, en el centro de Los Ángeles. La compañía exploró nuevos
territorios y viajó varias millas al norte de un pequeño pueblo. Este lugar fue
llamado "Hollywood". Griffith entonces filmó la primera película en Hollywood, California, un melodrama
sobre California en el 1800, mientras pertenecía a México. Después de escuchar
acerca de este maravilloso lugar, en 1913, muchos encargados del cine se
dirigieron al oeste para evitar las tasas impuestas por Thomas
Edison,
propiedad de las patentes sobre el cinematógrafo. Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas se hicieron
en varias ciudades de EE.UU., pero los cineastas miraron el sur de California
como la industria a desarrollarse. Fueron atraídos por el clima suave y fiable
de la luz solar, lo que permitió a las películas de cine al aire libre durante
todo el año, y por la variedad de sus paisajes que estaba disponible.
Invencion del cine como
arte autónomo
El punto de partida para el
cine estadounidense fue Griffith con The Birth of a Nation que fue pionera en la
filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy.
El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del
cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos
que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una
forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la
actualidad. La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos
generales que permiten que el espectador comprenda y
organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos
donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo.
El "padre del cine
moderno
Estudios tempranos de la
historia del cine mostraban a Griffith como el «padre del cine moderno»,
partiendo de un artículo escrito por él mismo en un periódico poco después de
su salida de AM&B en 1913. En éste afirmaba ser el creador del lenguaje
cinematográfico, tales como el primer plano o el flashback. Los primeros
historiadores de cine, sin tener acceso a muchos de los filmes producidos antes
de 1913, declararon a Griffith como el"padre del cine".
Estudios recientes y el descubrimiento de varios filmes (Brighton Conference),
demostraron que aunque una amplia variedad de realizadores trabajaban en
explorar nuevas técnicas narrativas y estéticas para el cine en Francia,
Italia, Estados Unidos ninguno sistematizo los diversos descubrimientos en un
lenguaje cinematografico. Edwin Porter, por nombrar a uno de ellos, hace
muestra de algunas técnicas narrativas en The Life of an American
Fireman (1903) así como el desarrollo de nuevas
técnicas de edición en The Great Train Robbery (1903), pero sus
descubrimientos no tienen continuidad más allá de su aplicación técnica.
La importancia de Griffith
como realizador fue su capacidad de utilizar y combinar aquellas técnicas. Es
por esto aplicabble a la figura de Griffith "El padre del cine
moderno".
Su imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras lo hacen el director
más importante del mundo en esa época.
Durante el periodo en que
el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico:
·
El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la
realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al
buscarcomposiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época.
Precisamente, este eco hizo que el cine llamase la atención del público ya acostumbrado a los
inventos que captaban la imagen en movimiento como el Kinetoscopio u otros similares.
·
El discurso de Méliès. Aplica a la puesta en
escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares,
dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.
·
El discurso de Griffith. Combina la imagen
cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica, dando así nacimiento al
relato cinematográfico.
Al discurso de los Lumiere
y de Méliès se los engloba como Modo de representación primitivo. No es algo
exclusivo de estos primeros cineastas sino de todos los que realizaban cine en
aquella época. En contraposición, se encuentra el discurso de Griffith y el de
la mayoría de los que siguieron. Se les engloba bajo la etiqueta de Modo de
representación institucional.
Griffith además fue el
descubridor de muchas estrellas de la naciente industria fílmica
norteamericana, entre las que se encuentran: las hermanas Lillian y Dorothy
Gish, Mae Marsh, Blanche
Sweet, Mack
Sennett (cómico canadiense imitador de Max
Linder),
y sobre todoMary Pickford, quien pronto se
convertiría en «la novia de América».
Edad de oro de Hollywood
Durante la llamada «edad de oro de Hollywood», o de la narrativa clásica de
Hollywood,
son los términos utilizados en la historia del cine, que designa a la vez un
estilo visual y de sonido para películas y un modo de producción utilizados en
la industria cinematográfica de Estados Unidos de América aproximadamente entre
1910 y 1960. Estilo clásico, es fundamentalmente basarse en el principio de la
continuidad o la edición de "invisible" de estilo. Es decir, la
cámara y la grabación de sonido no debería llamar la atención sobre sí mismos.
En esa época las películas
en los estudios de Hollywood se rodaban de forma parecida a la que se utilizaba
para ensamblar los coches en las cadenas de montaje de Henry Ford. No había dos
películas exactamente iguales, pero la mayoría seguían un género:Western, comedia, cine
negro, musicales, cine de animación, biográfico, etc, y los mismos equipos
creativos solían trabajar en las películas producidas por el mismo estudio -
por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert
Stothart siempre trabajaron en las películas de laMGM, Alfred
Newman trabajó para la Twentieth Century Fox durante veinte años, casi
todas las películas de Cecil
B. De Mille fueron producidas por la Paramount, las películas del
director Henry
King fueron en su mayoría rodadas para
Twentieth-Century Fox, etc. Se podía llegar a adivinar qué estudio había
producido cada película solo por los actores que aparecían en ella; cada
estudio tenía su propio estilo y toque característico que hacía posible averiguarlo
- una cualidad que no existe hoy día. Aun así cada película tenía ligeras
diferencias, y, en contraposición a los fabricantes de coches, la mayoría de
las personas que intervenían en el rodaje eran artistas. Por ejemplo, To
Have and Have Not (1944) es famosa no solo
por su pareja de protagonistas Humphrey
Bogart (1899-1957) yLauren
Bacall (1924-) sino también por haber
sido escrita por dos futuros ganadores del Premio Nobel de
Literatura: Ernest
Hemingway(1899-1961), autor de la novela en la
que se basó la película, y William
Faulkner (1897-1962), que trabajó en la
adaptación para la pantalla grande.
Sin embargo rodar películas
todavía era un negocio y las productoras hacían dinero operando bajo el llamado sistema de estudio. Los principales estudios
tenían a miles de personas en nómina -actores, productores, directores,
escritores, especialistas, mecánicos y técnicos. También poseían cientos de
teatros en ciudades y pueblos repartidos por todo el país- teatros que proyectaban
sus películas y que siempre necesitaban material fresco.
Muchos historiadores hacen
hincapié en la gran cantidad de buenas películas que surgieron en este período
de férreo control de los rodajes. Una de las razones que hizo esto posible fue
que, con tantas películas en producción simultáneamente, no todas tenían que
ser un éxito de taquilla. Un estudio podía arriesgarse con un proyecto de
presupuesto medio que tuviese un buen guion y actores relativamente
desconocidos: Citizen Kane, dirigida por Orson
Welles(1915-1985), cumplía estas premisas.
En otros casos, directores con una gran personalidad como Howard
Hawks (1896-1977) y Frank
Capra (1897-1991) se pelearon con los
estudios para imponer sus visiones artísticas. El sistema de estudio alcanzó,
probablemente, su apogeo en el año1939, que vio el estreno de
clásicos como The Wizard of Oz, Gone with the Wind, Stagecoach, Mr. Smith Goes to
Washington, Only Angels Have Wings, Ninotchka, y Midnight. Entre otros títulos
salidos de la Edad de Oro que son considerados clásicos en nuestros días
podemos citar: Casablanca, It's a Wonderful Life, la versión original de King Kong, y Snow White and the Seven
Dwarfs.
References.
Wikipedia.